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Devenir personnel avec les talents | Artiste - Marla Gill

Publié par Lois Chan le

Comment êtes-vous devenu artiste ?

Honnêtement, je ne me souviens pas d’une époque où la création artistique n’occupait pas une grande partie de mon être. Mes premiers souvenirs sont ceux de moi et de mes cousins ​​jouant avec nos poupées en papier. Je créais des dessins et des motifs sur papier, puis j'utilisais ces motifs pour découper des petites robes et autres vêtements avec ces petites languettes qui vous permettaient de les attacher à votre petite poupée en papier.

Je me souviens encore très bien du jour où je me suis assis avec ma tante pendant qu'elle me montrait comment remplir une image dans mon livre de coloriage, puis parcourir les zones proches des lignes et recolorer avec une teinte plus foncée. Je pensais que c’était la chose la plus magique que j’aie jamais vue et c’est toujours une technique que j’utilise aujourd’hui.

Ma mère était très artistique, ma tante et mes sœurs et cousines sont toutes des artistes accomplies. Être artiste n’a jamais été un choix. Elle fait partie de mon héritage, héritée comme la couleur de mes yeux. Bien que j'aie étudié l'histoire de l'art et le design au niveau collégial et en art commercial à Montréal, je suis principalement autodidacte.

J'expérimente et j'apprends toujours de mes collègues artistes et de la communauté Web. Mon premier amour est la fluidité et le caractère imprévisible de l’aquarelle. Je suis également attiré par le style illustratif de la peinture à l'acrylique. Depuis cinq ans, je suis captivé par l'art numérique et un grand pourcentage de mes illustrations sont créées sur mon iPad.

"Bouquet exotique" de Marla Gill
Qu’est-ce qui inspire votre art ?

Une lumière colorée et un design fort. J'ai grandi dans les Caraïbes, donc je n'hésite pas à faire exploser des couleurs vives. Je manipule la couleur pour créer l'ambiance et le point focal. Je guide le regard du spectateur à travers le tableau avec la répétition et la juxtaposition de teintes et de tons. L’harmonie des couleurs et la cohésion des palettes sont également des considérations majeures. Je m'inspire de la nature. Mon jardin est source de sujet, et moi de lumière dans mon sujet. La lumière est insaisissable, mais elle peut transformer comme par magie une fleur en quelques secondes.

Que représente pour vous votre art ?

C’est ce qui m’aide à embrasser chaque jour. C’est ce qui me procure joie et contentement à mesure que j’avance en âge. C'est ce qui me met au défi de continuer à apprendre, de continuer à élargir ma conscience, et me pousse à continuer de rechercher l'excellence et me permet de contribuer et de partager.

Quelle est pour vous l’œuvre d’art la plus précieuse ?

Mon dernier échec. La déception et la perte de temps et d'énergie d'investissement constituent les leçons les plus précieuses. Être autocritique est difficile. Il faut mettre son ego de côté, être humble, reconnaissant et opportuniste. Revenir sur ses pas, évaluer les éléments et les techniques qui ont amené un regard neuf.

Comment surmonter vos blocages créatifs ?

C’est là qu’il est utile de disposer d’un large répertoire de techniques. Si je ne peux pas me lancer dans une grande aquarelle, je m'assois et griffonne dans mon carnet de croquis, et invariablement, certains de ces gribouillages mèneront à des éléments qui se retrouveront dans mes motifs de surface. Changer de support est également utile. Je vais fermer mes palettes d'aquarelles et « jouer » avec de petites illustrations à la gouache de tout ce qui me vient à l'esprit. Ou bien, je vais sauter sur mon iPad et commencer à créer une illustration vectorielle. Supprimer la pression de la fin du jeu aide. Durant cette période, je réalise des marquages ​​sur le support que j'ai choisi sans objectif particulier. C’est un moyen très efficace de recharger ma batterie et même d’ouvrir une porte nouvelle et inattendue.

Pourriez-vous décrire l’expérience ou les sentiments que vous ressentez en créant votre art ?

Je ris quand je pense à l’évolution d’une œuvre d’art et à la gamme d’émotions que je ressens habituellement.

Premièrement, l’excitation, l’anticipation et une sensation de haute énergie. La toile ou la feuille de papier vierge promet un exutoire à mon imagination. J'ai une idée claire de ce que je souhaite réaliser, et ce sera le « meilleur à ce jour ».

Une fois que j’ai commencé à exécuter le flux de travail, j’entre dans un lieu zen de pur contentement. Je ne sais pas quoi parler à personne. « S'il vous plaît, ne laissez pas le téléphone sonner », et je ne veux m'arrêter pour rien au monde. Pas de faim, et certainement pas de tâches ménagères banales. Le temps se fige et rien n’existe à part moi et le travail qui m’enveloppe devant moi.

Ensuite, une petite évaluation s'installe. « Cette valeur n'est pas tout à fait correcte, elle devrait être plus sombre » « Maintenant, je l'ai rendue trop sombre ». L’irritation et le doute de soi commencent à grandir.

Vient ensuite la période du dégoût grandissant. "Je commence à tout gâcher".

C'est le moment de faire une pause. Quittez le studio, consultez vos emails, allez vous promener. Abandonnez le tableau pendant un certain temps… même un jour ou deux.

Je jette ensuite un coup d’œil à l’œuvre incriminée qui se trouve sur mon chevalet et attend docilement mon retour. Sans faute, je suis généralement surpris. "Ce n'est pas si grave! En fait, j'aime ça. Il ne reste plus qu'à peaufiner ici… » et la paix est rétablie. Je continue à travailler dessus mais maintenant j'évalue calmement, en gardant une attitude plus technique et moins émotionnelle alors que je suis sur le point de terminer. Ensuite, la grande décision est prise, celle de dire que c'est terminé. « Ce n’est pas tout à fait le chef-d’œuvre que j’avais en tête, mais j’en suis plutôt content, et il y a toujours le suivant !


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